Выставка «Банки супа Кэмпбелл» Уорхола: от насмешек до 15 млн долларов

«Я ел его. Один и тот же обед в течение двадцати лет.» — Энди Уорхол о супе Кэмпбелл

9 июля 1962 года. Лос-Анджелес. Маленькая галерея Ferus.

На стенах — тридцать две одинаковых холста. На каждом — банка супа. Просто банка. Этикетка с надписью «Campbell's». Красно-белая. Ничего больше.

Один из вариантов размещения полотен, сделанный Блумом в 1962 году перед выставкой

Публика недоумевала. Арт-критики морщились. А соседняя галерея пошла ещё дальше — выставила в витрине пирамиду из настоящих консервных банок с ценником: «Не вводите себя в заблуждение. Получите оригинал. Наша низкая цена — два за 33 цента».

Они думали, что это шутка. Что это насмешка над искусством. Что молодой художник из Нью-Йорка просто сошёл с ума или решил подурачиться.

Через тридцать четыре года музей MoMA выкупит все тридцать две картины за 15 миллионов долларов.

От коммерческого иллюстратора к «королю поп-арта»

К 1962 году Энди Уорхол почти десять лет проработал в Нью-Йорке как ведущий коммерческий иллюстратор. Его клиентами были Tiffany & Co., Dior, крупнейшие журналы. Он был успешен — по меркам рекламной индустрии. Но не по меркам мира искусства, который смотрел на него сверху вниз: коммерческие иллюстрации не считались настоящим творчеством.

До тех пор художнику неустанно напоминали — коммерческие иллюстрации не имеют к высокому искусству никакого отношения, но Уорхол сломает этот стереотип, бросив вызов обществу. Он решил стать «настоящим» художником. Признанным музеями и критиками. И его секретным оружием стал зарождающийся стиль, у которого ещё не было устоявшегося имени — поп-арт .

Уорхол переключился с производства комиксных поп-арт трафаретов на изображение банок с супом для избежания конкуренции с более известным художником поп-арта Роем Лихтенштейном. Однажды Уорхол сказал: «Я должен делать что-то, что будет иметь большое влияние и достаточно отличаться от работ Лихтенштейна и Джеймса Розенквиста, что-то, что будет очень личным и не будет выглядеть так, как будто я делаю что-то похожее на их работы».

Почему именно суп Кэмпбелл?

Это не случайный выбор и не бессмысленная провокация.

Сам Уорхол вырос на супе Кэмпбелла. «Я ел его. Один и тот же обед в течение двадцати лет», — сказал он. Суп Кэмпбелл был частью его детства. Частью послевоенной американской жизни. Частью тысяч кухонь по всей стране, где работающие мамы открывали банки, чтобы накормить детей чем-то дешёвым и надёжным. Это была настоящая демократия потребления : один и тот же суп ел богатый и бедный, рабочий и профессор, знаменитость и обычный человек.

Но был и другой слой: классический дизайн лейбла мало изменился с момента его дебюта на рубеже XX века. В том числе домашний, скорописный шрифт «Кэмпбелл», который, по словам архивиста компании, был очень похож на подпись основателя Джозефа Кэмпбелла.

Стабильность. Узнаваемость. Ностальгия. И — глубокая ирония: самый банальный, самый «массовый», самый «несерьёзный» предмет быта становится объектом того же пристального художественного внимания, которого удостаивались библейские сцены, мифологические сюжеты и портреты аристократов.

Как мать помогла художнику: банки стали сырьём

Мать Уорхола Юлия, главная помощница будущего «короля поп-арта», увлекалась изготовлением цветов из жестяных банок, которые после продавала за небольшую цену. И вот Уорхол отправляет Юлию в магазин, чтобы та купила все виды супов марки «Кэмпбелл», которые выпускались на тот момент брендом. И художник принялся за работу, которая заняла целый год.

С ноября 1961-го по март 1962 года Уорхол писал серию. Итогом стал цикл работ из 32 полотен, выполненных в технике шелкографии, каждая размером 51 × 41 см.

Тридцать два холста — потому что именно столько сортов супа выпускала компания «Кэмпбелл» на тот момент. Каждая банка — своя картина. Томатный суп, куриная лапша, крем из грибов, говяжий бульон, суп из перца. Полная линейка продукта — как полный ассортимент универмага.

Метод: что такое шелкография и почему это важно

Уорхол писал не кистью. Он использовал шелкографию — полумеханизированный метод трафаретной печати.

Это принципиально. В высоком искусстве XIX — начала XX века ценился именно ручной труд, уникальность каждого мазка, «живопись» в буквальном смысле слова. Абстрактный экспрессионизм — доминирующий стиль американского искусства 1950-х — строился на жесте, на эмоции, на неповторимости каждого удара кисти по холсту.

Уорхол сделал прямо противоположное. Он использовал промышленную технику воспроизведения . Его картины намеренно выглядят так, как будто их сделал не человек, а машина. И именно это было декларацией: в мире массового производства различие между «оригинальным» и «копией», между «искусством» и «товаром» — уже не такое очевидное.

Используя техники изобразительного искусства для изображения предметов повседневного потребления, Уорхол уловил существенное противоречие в поп-арте. Хотя они должны были выглядеть так, как будто они были сделаны механически, каждая картина немного отличалась — и не только этикеткой. Был и ещё один тонкий жест: вместо того, чтобы детализировать замысловатый медальон в центре этикетки каждой банки, представляющий «золотую медаль качества», которую суп Кэмпбелла выиграл на Парижской выставке 1900 года, Уорхол заменил его простым золотым кружком. Художник упростил реальность — но сделал это намеренно и осознанно.

Первая выставка: скандал и равнодушие одновременно

9 июля 1962 года малоизвестный художник Энди Уорхол открыл небольшую выставку в галерее Ferus в Лос-Анджелесе. Центром выставочной жизни в те годы считался Нью-Йорк, но для Уорхола показалось интересным сделать выставку в Лос-Анджелесе, так как про него смогут услышать кинозвёзды из Голливуда, которые всегда были для художника предметом особого интереса.

Реакция была неоднозначной. Приземлённая коммерческая тематика работы привела в замешательство арт-сообщество, более привычное к абстракциям авангардистов, не говоря уже о публике, и без того скептически настроенной по отношению к современным живописцам.

С выставки была продана всего одна работа, и ещё на 4 была поставлена бронь. Казалось бы — провал. Но куратор галереи Ирвинг Блум думал иначе. Оценив общественный резонанс и потенциал этого проекта, директор галереи Ирвин Блюм выкупил работы у покупателей обратно, а также и все остальные не проданные картины из серии по оговорённой цене в 100 долларов. В 1996 году Блюм продаст эту серию в МоМА за 15 миллионов долларов.

1000 долларов — 15 000 000 долларов. Это не опечатка.

Революция: почему это изменило всё

До «Банок с супом Кэмпбелл» мир высокого искусства жил по чётким правилам. Абстрактный экспрессионизм — Поллок, Де Кунинг, Ротко — диктовал что такое «серьёзное искусство». Сложные, субъективные, психологически нагруженные работы. Искусство как внутренний монолог. Искусство как откровение.

Сложный для понимания, насыщенный субъективными смыслами абстрактный «суп» Де Кунинга превратился в фирменный знак Энди Уорхола — знакомый, ясный, без лишних сложностей, коммерческий и такой американский продукт.

Уорхол задал вопрос, который до сих пор не потерял своей силы: а кто решает, что является искусством? Критики? Музеи? Галереи? Или сам художник, который объявляет что-то искусством — и тем самым делает это искусством?

Банки супа «Кэмпбелл», опираясь на тему из массовой культуры, помогли возвестить поп-арт в качестве главного художественного движения в США.

Именно «Банки с супом Кэмпбелл» стали той точкой, где поп-арт перестал быть маргинальным экспериментом и заявил о себе как о новом главном направлении американского искусства. После этой выставки ничего не могло быть прежним.

Что значит «Банки с супом Кэмпбелл» сегодня

Шесть десятилетий спустя эти тридцать две банки не стали менее провокационными. Наоборот — в мире, где граница между товаром и произведением искусства окончательно размылась, где логотипы брендов котируются как культурные символы, где художники сотрудничают с корпорациями, а корпорации продают себя как произведения искусства — вопросы Уорхола стали только острее.

Он не утверждал, что банка супа красива. Он спрашивал: а что вообще значит «красивый» и «искусство»? Кто проводит эту границу? И почему?

Из-за возможной популярности целой серии тематических работ репутация Уорхола выросла до точки, где он стал не только самым известным американским поп-арт художником, но и стоимость его работ была самой высокой среди живших в это время американских художников.

Человек, которому говорили, что его коммерческие иллюстрации не имеют отношения к высокому искусству, в итоге стал богатейшим художником своего поколения. И сделал это, нарисовав то, что ел на обед двадцать лет подряд.

Где увидеть «Банки с супом Кэмпбелл» вживую

🗺 MoMA — Музей современного искусства, Нью-Йорк, США — все 32 полотна оригинальной серии, постоянная коллекция

📍 Адрес : 11 W 53rd St, New York, NY 10019

🌐 Сайт: moma.org

🗺Чикагский музей современного искусства, Чикаго, США

— «Банки с супом Кэмпбелл, часть 2»